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Un poquito de Mondongo

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Mondongo comienza en 1999 en Buenos Aires, Argentina, por iniciativa de Juliana Laffitte, Manuel Mendanha y Agustina Picasso, tres jóvenes artistas que compartían la pasión por crear arte tridimensional utilizando materiales no convencionales como comida, juguetes y objetos cotidianos. Su obra ha sido exhibida en galerías y museos de todo el mundo, y ha sido objeto de numerosas publicaciones en medios de comunicación y libros de arte. Desde el principio, se destacaron por su enfoque innovador y su habilidad para transformar ideas abstractas en imágenes vívidas y poderosas. El proceso creativo del grupo se caracteriza por un enfoque colaborativo, en el que cada miembro aportaba su perspectiva única al proyecto. La capacidad de Mondongo para representar conceptos complejos en formas físicas y tangibles es una de sus características principales, y la relación entre la obra y los materiales utilizados para su desarrollo, es el sello distintivo del colectivo. Representación de una idea El p

Cuidate, nadie lo hará por vos: Hablando de Ricky Espinosa.

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¿Qué significa realmente ser un artista? ¿Quién tiene el derecho de llevar consigo ese título? A menudo se nos dice que los artistas son aquellos que exhiben sus obras en museos prestigiosos o aquellos que venden discos por miles y son aclamados en todo el mundo. Son vistos como aquellos que dominan el pincel y la paleta de colores con maestría, o los virtuosos que extraen melodías cautivadoras de sus instrumentos. Sin embargo, a veces, en los rincones más inesperados, surge un individuo iluminado que desafía las convenciones establecidas y desafía nuestra percepción de lo que significa ser un verdadero artista. Este ser, que pinta obras maestras con el barro de sus zapatillas, es inicialmente menospreciado en su tiempo, pero finalmente encuentra su lugar y deja una marca indeleble en la historia. Fue el 31 de diciembre de 1966, en un barrio humilde de la ciudad de Gerli, Avellaneda, cuando nació bajo el nombre de Ricardo "Ricky" Espinosa, uno de estos seres excepcionales. Ve

Puertas hacia los mundos sonoros: Las portadas de discos.

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En el vasto escenario de la música, las portadas de álbumes actúan como puertas hacia los mundos sonoros que se encuentran dentro. Estas creaciones, a menudo pasadas por alto, son crónicas visuales de las épocas que han vivido, reflejando las corrientes culturales y artísticas de su tiempo. Este ensayo se aventura a explorar el diseño gráfico en las tapas de discos, revelando cómo estas imágenes no solo documentan la música, sino que también dan forma a la identidad visual de los artistas. Mi hipótesis afirma: El diseño gráfico de las portadas de álbumes refleja las tendencias culturales y artísticas de cada época, desempeñando un papel fundamental en la construcción de la identidad visual de los y las artistas, y en la promoción de sus obras. Podemos empezar diciendo que, las portadas de álbumes de bandas o solistas sirven como reflejo cultural de sus respectivas épocas. Esta idea se alinea con la perspectiva de Stuart Hall, un influyente teórico de la cultura, quien argumenta que l

La salvación de lo bello: ¿Qué es la experiencia estética?

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En un contexto dominado por la cultura de la imagen, el scroll y el consumo visual inmediato, la experiencia estética se presenta como un espacio de resistencia, un lugar donde podemos escapar de la superficialidad y conectar de manera más auténtica con la belleza que nos rodea. Es en ese lugar, donde ponemos en juego nuestra vivencia subjetiva y desinteresada, para percibir lo bello y significativo de una obra. En contraposición a la experiencia autoerótica , esa que se mira con ojo contemporáneo, alejándonos de lo otro, lo diferente y lo ajeno, centrándose en la satisfacción inmediata, directa, sin rodeos, y en la búsqueda de la perfección, la experiencia estética implica un proceso de transformación profunda en nuestra forma de relacionarnos con el arte. Nos invita a mirar con ojo activo, y a escapar de la pantalla para abandonar las expectativas preconcebidas, adentrándonos en territorios desconocidos, donde podemos encontrar lo abismal y lo negativo, lo que nos lastima y nos hier

The Ramones: arte, rebeldía y moda.

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El primer álbum de Los Ramones, lanzado en 1976, generó polémica y descontento entre la crítica especializada de la época, quienes no dudaron un segundo en atacar al unísono. Actualmente, este LP es considerado un hito en la historia de la música, y la banda se ha transformado en un ícono popular que ha trascendido generaciones, e incluso su propia música. En los años 70, el panorama musical estaba dominado por géneros como el rock progresivo y el disco, caracterizados por su sofisticación y complejidad instrumental. En contraste, cuatro jóvenes de Queens, con flequillos al estilo Beatles, y camperas de cuero, presentaban una propuesta radicalmente diferente: su música era cruda, directa y aparentemente simple. Estas características chocaron con los estándares establecidos por la industria musical, que valoraba la virtuosidad técnica, el perfeccionismo y las elaboraciones artísticas complejas. En ese sentido, la autenticidad y la sinceridad de la música de Los Ramones pueden ser interp